Histoire de la musique jazz – Une chronologie détaillée

La plupart des musiciens suivent simplement les tendances ou créent des chansons basées sur ce qui est actuellement populaire. Ils sont peut-être compétents, mais je ne vois aucune imagination et créativité là-dedans. Seul un génie musical peut créer de la musique à la volée. C’est pourquoi beaucoup de gens aiment le jazz. C’est le genre de musique qui considère l’improvisation comme un élément très important.

Dire que les musiciens de jazz sont de fantastiques créateurs et artistes de notes émouvantes et de mélodies touchantes est un euphémisme. Ils sont passionnés par leurs créations musicales car ils prennent soin de chaque élément qui compose leur travail.

Alors, quand le jazz a-t-il commencé de toute façon ? Je suis content que vous demandiez. Nous nous promènerons dans le passé pour en savoir plus sur l’histoire colorée et parfois triste du jazz.

Les fondations : du 16e au milieu du 19e siècle

Le 16ème siècle a vu de nombreux Africains de l’Ouest vendus comme esclaves à de riches propriétaires de plantations du Sud. Ils ont apporté avec eux leur musique enracinée dans l’expression musicale et culturelle de leur héritage ouest-africain. Leur musique a un modèle simple d’appel et de réponse et une mélodie de base à une seule ligne. Le rythme de leurs chansons était contre-métrique et reflétait les modèles de parole de leur langue maternelle.

Les propriétaires d’esclaves et les colons européens ont commencé à observer comment les premiers Afro-Américains créaient de la musique. Étant des esclaves, ils n’avaient pas le luxe d’utiliser de vrais instruments de musique. En tant que tel, de nombreux ancêtres du jazz utilisaient n’importe quel «instrument» qu’ils pouvaient trouver.

Ils ont également incorporé les rythmes des chants joués lors des messes dans les églises. Il y a aussi des influences des esclaves dans les Caraïbes.

L’émancipation des esclaves en 1865 a ouvert de nombreuses opportunités pour les Afro-Américains. Beaucoup ont appris à jouer des instruments de musique européens, ce qui leur a permis de se produire dans des clubs, des bordels et des bars.

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Voici les chiffres clés à connaître sur les débuts du jazz :

Louis Moreau Gottschalk

Ce compositeur de la Nouvelle-Orléans a été le premier à adapter les rythmes et les mélodies des esclaves et à les intégrer dans sa musique de salon de piano. L’une des œuvres les plus influentes de Gottschalk qui comprenait des éléments du jazz primitif est “A Night In The Tropics”. Il a le motif rythmique tresillo caractéristique des esclaves cubains.

Ernest Hogan

Hogan a été le premier Afro-Américain à populariser le « ragtime » en 1895, l’un des styles rythmiques du jazz primitif. Vous pouvez découvrir l’un des plus grands succès de Hogan ici.

La naissance d’une nouvelle forme musicale d’art : le blues et le swing du début du XXe siècle

La croissance du ragtime à la fin du XIXe siècle a accéléré le développement du jazz contemporain. Cependant, c’est le blues du Grand Sud américain qui a jeté les bases du développement de ce que nous appelons aujourd’hui le ‘jazz’.

Les Blues sont très faciles à écouter car ils sont l’expression mélodique du quotidien des premiers Afro-Américains dans une région encore sous le choc des tensions raciales. Le blues a ses racines dans des chansons de travail ordinaires, des hymnes spirituels et même des cris sur le terrain que les Afro-Américains du Sud profond utilisaient pour ajouter de la couleur à leur vie sociale, professionnelle et spirituelle.

Voici les choses importantes que nous devons savoir sur cette période :

William Christophe Handy

Père du Blues, WC Handy a établi les tout premiers rythmes qui deviendront les standards du jazz. Ces rythmes comprenaient la habanera et sont tout à fait distincts dans l’œuvre de Handy de 1912 intitulée “Memphis Blues”, la “St. Louis Blues », et d’autres compositions.

Papa Jack Laine

Nous associons toujours le jazz aux musiciens noirs. Cependant, il y a aussi des musiciens de jazz blancs. Laine, qui est également le « père de la musique jazz » est surtout connu pour son inclusion de musiciens blancs et noirs dans son groupe. Papa Jack Laine est à l’origine du « jazz blanc ».

Groupe de jazz original Dixieland

De nombreux musiciens de Papa Jack Laine sont devenus des musiciens de jazz légendaires. Certains d’entre eux ont formé l’Original Dixieland Jazz Band en 1917 et ont sorti leur tout premier chef-d’œuvre, le « Livery Stable Blues » la même année.

Jelly Roll Morton

Compositeur, pianiste de jazz et de ragtime et chef d’orchestre Morton a commencé sa carrière musicale à Storyville. Son œuvre la plus influente fut le « Jelly Roll Blues », qu’il composa en 1905. Morton souligna le rôle du rythme tresillo/habanera comme élément essentiel du jazz.

Si le Blues est la forme musicale fondamentale du jazz, le swing en serait le rythme fondamental. Et c’est Louis Armstrong qui a défini l’importance du swing dans le jazz – il faut le sentir pour le savoir. Écoutez à nouveau le « Livery Stable Blues ». Fermez les yeux et vous pouvez commencer à « ressentir » la musique et pas seulement à l’entendre.

L’ère du jazz : des années 1920 aux années 1940

L’ère de la prohibition n’a pas empêché les musiciens de jazz de se produire. Ils ont trouvé un public prêt dans les bars clandestins illicites. Beaucoup de musiciens de jazz ont formé des groupes de tournée qui ont voyagé jusqu’à Los Angeles et San Francisco dans l’Ouest. Il y avait aussi la croissance du jazz à Chicago.

Les années folles ont vu naître l’improvisation. Cela a permis aux joueurs de jazz d’injecter leurs solos musicaux sur la musique imprimée. L’improvisation s’est avérée être la qualité la plus distincte du jazz et elle est devenue l’attribut essentiel qui a différencié les grands du jazz des musiciens de jazz ordinaires.

La première décennie de l’ère du jazz nous a apporté les grands suivants.

Bessie Smith

Si WC Handy est le père du blues, Smith en serait l’impératrice. Smith était une force avec laquelle il fallait compter à cette époque. Vous devriez découvrir les plus grands succès de Bessie ici.

Louis Armstrong

Né le 4 août 1901 à la Nouvelle-Orléans, Armstrong est l’un des musiciens de jazz les plus influents. Ce Rhythm & Blues Hall of Famer était un joueur de cornet et de trompette inventif.

Sa plus grande influence est sur le passage à la performance solo de l’improvisation collective. Non seulement Armstrong était solide dans l’improvisation instrumentale, mais il était également un titan de l’improvisation vocale avec ses compétences en chant scat. Les prouesses d’Armstrong en matière d’improvisation à la guitare sont incarnées dans « Savoy Blues » et sa légendaire improvisation vocale dans « Heebie Jeebies ».

De nombreux chanteurs et musiciens contemporains ont adopté les innovations d’Armstrong dans leur propre style. Ils comprenaient Bing Crosby, Billie Holiday et Ella Fitzgerald, pour n’en nommer que quelques-uns.

Les deuxième et troisième décennies de l’ère du jazz étaient l’ère du swing. Il a atteint son apogée en 1935. La musique jazz a commencé à se frayer un chemin vers les charts musicaux. La musique comportait déjà des arrangements écrits et de grands ensembles. L’improvisation était encore un élément essentiel du jazz. Cependant, les musiciens ne l’employaient qu’à certains moments de la composition. L’accent est désormais mis sur la performance.

Duc Ellington

L’un des compositeurs les plus influents de l’ère du swing. Bien qu’il soit surtout connu pour être un virtuose du piano, sa véritable passion réside dans son groupe. Ellington considère chaque membre du groupe comme ayant un ensemble distinct d’émotions qui donnent lieu à une couleur de ton unique. Il mélange les attributs individuels des membres de son groupe pour produire une musique remarquable.

Dans son « One O’Clock Jump », vous pouvez entendre les différents membres du groupe d’Ellington jouer leurs côtelettes – la virtuosité instrumentale. Bien que les solos soient brefs, ils donnent du crédit à l’observation de « l’effet Ellington ».

Alors que l’ère du swing commençait à décliner, la musique jazz a commencé à entrer dans le monde de la musique d’art. Les années 40 voient la naissance du Bebop. Il a attiré de nombreux poètes, peintres, écrivains d’avant-garde et autres intellectuels. Le tempo du Bebop était extrêmement rapide, ce qui rendait tout à fait impossible pour le commun des mortels de danser. Les personnes qui ne sont pas enclines à la musique considèrent souvent le contenu harmonique, mélodique et rythmique du Bebop comme très imprévisible.

Le bebop était le vaisseau nécessaire aux musiciens de jazz pour montrer leur virtuosité instrumentale. Si Swing a mis l’improvisation au second plan, Bebop l’a remise au premier plan et au centre de la composition.

Charlie “Oiseau” Parker

Grand compositeur, saxophoniste magique et soliste envoûtant, « Bird » Parker a apporté la plus grande partie de son ingéniosité musicale à la formation de Bebop. Il est bien vénéré pour ses accords de passage rapides, ses substitutions d’accords et ses variantes innovantes d’accords modifiés. Vous devriez écouter son « Anthropologie » pour avoir une idée de la musique de Parker.

Gillespie étourdi

Dizzy est à la trompette ce que Bird est au saxophone. Gillespie est un autre musicien de jazz connu pour avoir ajouté des couches de complexité rythmique et harmonique jamais entendues auparavant dans le jazz des années 1940. Découvrez ce chef-d’œuvre de Dizzy, « Groovin’ High », interprété avec Charlie Parker.

Jazz d’après-guerre : des années 1950 aux années 1980

L’ère d’après-guerre du jazz peut être classée en différentes étapes. Ces étapes comprennent les suivantes :

Jazz cool

Le Bebop de la côte Est était rapide et furieux. L’Occident a répondu en créant une approche décontractée et plus décontractée du jazz. C’est l’essence même du « Cool Jazz », qui a duré 5 ans de 1950 à 1955. Les musiciens voulaient se débarrasser des tempos constants et vrombissants du Bebop de la côte Est. L’une des figures les plus influentes de Cool Jazz était Miles Davis, avec son « Boplicity ».

Bop dur

S’inspirant de l’Occident, les musiciens de jazz entre 1955 et 1960 ont commencé à déplacer leurs improvisations instrumentales vers la voix. Le Hard Bop n’est pas la version hardcore du Bebop. Au lieu de cela, la musique repose sur le blues et la musique gospel. Les improvisations ont également adopté une approche plus émotionnelle, plus personnelle. Les musiciens ont commencé à explorer différentes échelles musicales, y compris différents modes. Un bon exemple de cette musique est « Maiden Voyage » de Herbie Hancock.

Avant-Garde and Free Jazz

L’idée fausse populaire selon laquelle l’improvisation est tout ce que le musicien décide de jouer a ses racines dans le jazz des années 1960. Malheureusement, ce n’est pas vrai. Si vous écoutez le chef-d’œuvre d’Ornette Coleman, « Lonely Woman », vous remarquerez une structure mélodique très différente. Le timbre est plus expressif. Les débutants en jazz peuvent ne pas être en mesure de comprendre le contenu harmonique et le sens de la forme de la musique. Les amateurs de jazz, cependant, se concentrent davantage sur l’expression émotionnelle et l’exubérance de la pièce.

Jazz-Fusion

Les années 1970 ont vu l’intégration de différents genres musicaux dans le jazz. Il y a la fusion jazz-rock qui a commencé à la fin des années 1960. La fusion nécessitait la combinaison de l’improvisation jazz avec des instruments de musique électriques, des rythmes rock et la voix unique d’artistes rock. Miles Davis était l’un des pionniers du jazz fusion, vous devriez sortir son “In A Silent Way”. Il y avait aussi du jazz psychédélique et du jazz funk dans les années 1970.

Les années 1980 à 1990

Les années 80 ont vu l’essor de différents sous-genres du jazz. Ceux-ci comprenaient le traditionalisme, le Smooth Jazz, l’Acid Jazz, le Jazz Rap, le Nu Jazz, le Jazzcore, le Punk Jazz et le M-Base. Le traditionalisme a été formé comme un reproche majeur au Jazz Fusion qui a précédé la scène. Voici les figures clés de chacun des types de jazz au cours des deux dernières décennies du 20e siècle.

Jazz de l’ère moderne : des années 2000 à nos jours

Le jazz contemporain est aujourd’hui très difficile à définir. Il est impossible d’identifier un style de jeu solide très distinctif. La plupart des musiciens de jazz contemporain emploient une variété de sous-genres de jazz pour répondre à leurs besoins. Ils peuvent combiner avant-garde, swing, modal et bebop, ainsi que les autres sous-genres du jazz.

Ce qui est clair à propos du jazz contemporain, c’est qu’il y a une utilisation extensive de signatures rythmiques très étranges. Ils aiment aussi mélanger ou mélanger le jazz avec d’autres genres musicaux. Il existe également des artistes de jazz contemporains qui n’ont pas peur d’expérimenter la conception des sons qu’ils créent. Ils peuvent même ajouter de nouvelles textures à leurs compositions à l’aide de synthétiseurs.

Le « Pipeline » de Bill Frisell est l’un des morceaux de jazz contemporain les plus populaires. Lorsque vous atteignez la barre des 3 minutes, vous remarquerez l’excellente utilisation des effets et des timbres par Frisell. Bill ne fait pas que jouer les changements. Il peint un merveilleux paysage sonore.

« Open Minds » de Chris Potter, « Earth Song » de Jason Moran et « These Are The Vistas » de The Bad Plus sont également de grands morceaux de jazz de l’époque contemporaine.

Nous pourrions écrire plusieurs volumes de livres traitant plus en détail de l’histoire du jazz et il y aura encore des éléments de la musique que beaucoup d’entre nous n’apprécieront pas.

Qu’il suffise de dire que cette histoire abrégée de l’une des formes de musique les plus populaires au monde devrait suffire à susciter un véritable intérêt pour vous pour en savoir plus.

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